Ofrenda
floral, enero 2011
Unos de los actos más
tempranos fue un acto organizado por la Fundación
Valle-Inclán: la ofrenda floral que el conselleiro
de Cultura y Turismo de la Xunta, Roberto Varela,
presidió en el Cementerio de Biosaca el 5 de enero.
Bajo una lluvia intensa se congregaban, entre otros, un
familiar directo del autor, su nieto Joaquín del
Valle-Inclán, un nieto de Unamuno y Gerardo
Fernández Albor, presidente de la Fundación.
En el recuerdo, el también lluvioso día del
sepelio de Don Ramón, cuando un joven anarquista se
abalanzara sobre el féretro para arrancar el
crucifijo. Y en el ambiente el mismo aire de polémica
que siempre envolvió a su persona: el debate sobre el
galleguismo del escritor enfocado por el conselleiro con las
palabras: «aunque la lengua que
utilizase no fuese mayoritariamente el gallego,
llevaba
a
Galicia dentro de su alma»
(Europa Press).
De antiguo viene los dilemas tanto
lingüísticos como políticos y sus
descendientes no parece que vayan a apaciguar las aguas
según algunas declaraciones, de antes y de ahora, de
los unos, como Joaquín del
Valle-Inclán, y de los otros, como Javier del
Valle-Inclán.
Las palabras de Valle-Inclán hacen eco en Gaiás
Cuentan las
crónicas que José Luis Gómez, actor y
director del Teatro de La Abadía, les ganó la
entraña a quienes pudieron escucharle un fragmento de
Sacrilegio
interpretando a uno de sus fantochescos personajes: El Sordo
de Triana. Así ilustraba el veterano comediante su
conferencia sobre las formas plásticas del teatro
valleinclaniano que incitan al actor a poner todo su cuerpo
en el papel, siendo imposible interpretar o ni siquiera leer
uno de sus textos dramáticos desde la inmovilidad.
Esto sucedía en
una sesión celebrada, en marzo del presente
año, en el Auditorio de la Biblioteca de Galicia.
Dentro del ciclo literario Ceo das Letras, Gómez,
ofreció al público además de su
visión del teatro de Valle, sus opiniones sobre
diversos aspectos del panorama teatral en una mezcla de
conferencia / entrevista acompañado por la profesora
Margarita Santos Zas, directora de cátedra y del
grupo de investigación Valle-Inclán de la
Universidade de Santiago de Compostela.
José Luis García
Sánchez, el eterno enamorado de Valle-Inclán
«Yo tengo la
enfermedad de Valle, sus obras son prácticamente lo
único que leo y pienso que es el mejor autor de la
literatura universal» (La Voz de Galicia, 16/10/2010)
Tal declaración
no deja lugar a dudas: pasión, obsesión,
debilidad hacia la figura de Valle…, todo eso y más
desprende el trabajo del director José Luis
García Sánchez desde hace muchísimo
tiempo. La aventura comienza en 1987 con la
adaptación de la obra teatral Divinas Palabras al
cine, continua en 1993 con el film Tirano Banderas y
sigue con el rodaje en 2008 de la trilogía Martes
de Carnaval, proyecto televisivo que también se
transformo en cinematográfico.
Ahora, por encargo de la
Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales del
Ministerio de Cultura, el próximo plan se llama Este que veis
aquí y en formato documental ficcionado aspira
ser la biografía imprescindible del insigne gallego.
En esta ocasión
Juan Diego se transforma en Bradomín y Galiardo
repite con Montenegro, a quien ya diera vida de la mano de
Bigas Luna en el macro montaje teatral de Las Comedias
Bárbaras (2000). Ambos personajes actúan
como contrapunto del biografiado el alma de cual preside,
naturalmente, este proyecto. Pero como las almas tienen un
caché muy alto, García Sánchez
necesitó de un cuerpo que encarnase a don
Ramón y ahí se produjo el prodigio. No se
trata de un actor, aunque en su juventud frecuentó el
mundo del espectáculo con su grupo pop, se llama
Xerardo Pardo de Vega y es, además de un adepto
ferviente de Valle, escritor, abogado y erudito. Su
extraordinario parecido con el autor gallego, hay quien
apunta a parentesco, le convierte casi en una
reencarnación del mismo. Con él se completa un
equipo perfecto para el plan de García Sánchez
aunque, muy probablemente, el director sienta la ausencia de
un colaborador y amigo de excepción en estas empresas
valleinclanianas y quijotescas: la del desaparecido Rafael
Azcona. (El director anda en estos días enredado en
llevar a la pantalla la excelente Nene, los muertos no
se tocan.)
García
Sánchez expresó su deseo de que este trabajo
sea una producción divertida y apta para aproximar la
figura de Valle-Inclán al público actual,
sobre todo al más joven. Quien esto escribe, que tuvo
la oportunidad de participar en una de las jornadas del
rodaje en las dependencias del Ateneo de Madrid, puede
asegurar al lector que si el espíritu del documental
es el que se respiró en esa jornada, esa amenidad
está garantizada.
Números especiales de la revista Cuadrante
XIV
edición de la Noche de Max Estrella
Por iniciativa del Círculo de Bellas Artes, Madrid
homenajea al escritor gallego cada año recorriendo
los lugares emblemáticos en los que se localiza la
acción de su conocida obra teatral Luces de bohemia.
En este año de conmemoración, desde el Pretil
de los Consejos (la cueva de Zaratustra en Luces) pasando por
la Chocolatería de San Ginés (la
Buñolería Modernista), el Ateneo, el
Círculo de Bellas Artes, la Puerta del Sol (Taberna
de Picalagartos), la Plaza Mayor y la de San Miguel, el
Teatro Español y, cómo no, el Callejón
del Gato medio millar de personas ha paseado en clave
valleinclaniana durante casi cinco horas.
En la comitiva ilustres como el secretario de la RAE,
Darío Villanueva, el catedrático Jorge
Urrutia, los actores Juan Diego, Ana Alonso, Gerardo Malla,
Chete Lera, Manuel de Blas, los escritores Almudena Grandes
y Ramón Irigoyen, la fotógrafa Ouka Leele, la
periodista Rosana Torres, el crítico literario Alonso
Zamora Vicente o el dramaturgo y periodista Ignacio Amestoy
que declaró a EFE la necesidad de sacar a la calle a
Valle-Inclán:
«Ahora, parece
que la cultura ha quedado relegada a las universidades, a
los centros culturales y a las bibliotecas, y más
allá de estos espacios la gente sólo
disfruta del entretenimiento».
La Irreal
Academia del Esperpento
Calendario apretado para los amantes de la musas
Talía y Melpómene. La noche de Max Estrella
es también la del Teatro y la víspera del
Día Mundial del Teatro. Y este año el marco
ideal para la creación de la Irreal Academia del
Esperpento promovida por el Ignacio Amestoy y Rosana
Torres, periodista de El País. En los altos de la madrileña
librería Fuentetaja, se declaró la fecha de
la muerte del poeta Alejandro Sawa, 3 de marzo, como la
idónea para la inauguración de la Academia
que quiere reivindicar la originalidad e importancia para
la Historia del Teatro del género
esperpéntico.
El desaparecido Alonso Zamora Vicente fue nombrado
académico de honor a perpetuidad por la
simpatía que siempre demostró hacia este
antiguo proyecto que se ha hecho realidad ahora con la
concurrencia de catorce miembros, además de los
mencionados Amestoy y Torres: el catedrático Javier
Huerta, los dramaturgos Luis Aráujo y Manuel
Gómez, el crítico Enrique Centeno, el teatrero
Chatono Contreras, la actriz y cantante Karola Eskarola, el
cineasta José Luis García Sánchez, el arquitecto y
presidente del Círculo de Bellas Artes, Juan Miguel
Hernández de León, el escritor Ramón
Irigoyen, Jesús Miranda de Larra familiar y autor de
una biografía sobre el periodista y escritor
José Mariano de Larra, el poeta y ex ministro de
Cultura César Antonio Molina, la actriz Esperanza
Roy, el catedrático Jorge Urrutia y el crítico
y escritor Javier Villán.
Ferrol
recuerda a Valle
En el teatro Jofre como escenario, el Ayuntamiento de Ferrol quiso rendir homenaje a Ramón Valle-Inclán en el 75 aniversario de su muerte con la representación de Luces de Bohemia, con puesta en escena a cargo del Teatro del Temple, bajo la dirección de Carlos Martín, y con Nadie lo quiere creer. La patria de los espectros, por parte de la compañía andaluza La Zaranda.
La compañía aragonesa Teatro del Temple
renueva el clásico del escritor gallego con un
montaje de ocho actores representado la cincuentena que
transita las calles de un sórdido Madrid, ese que
Valle mostró en Luces de Bohemia y
que Max Estrella y su amigo Latino recorren una y otra vez.
La variedad de
escenarios y la cantidad de personajes, que hizo dudar de su
representabilidad al mismo Valle, no han sido dificultad
insalvable para el actual director Carlos Martín sino
que ha permitido hacer de la necesidad virtud y conseguir, a
base de estructuras mínimas, un Madrid más
atemporal, menos costumbrista y más universal.
«Respetamos el texto al máximo, porque con un texto como éste valía la pena respetarlo pero decidimos plantear un concepto estético más contemporáneo. Queríamos jugar con la temporalidad de la obra, remarcando una interpretación más psicológica de Luces de Bohemia».
Esta obra forma parte del repertorio de la compañía desde 2007, cuando la estrenó en el Teatro Principal de Zaragoza, y en el sitio web de la compañía se informa que, en este cuarto año de gira del espectáculo, se contabilizan ya 150 representaciones y más de 60.000 espectadores.
Nadie lo quiere creer de
Eugenio Calonge es una obra deudora del esperpento
valleinclaniano, según explican los componentes de La
Zarabanda con Francisco Sánchez a la cabeza. Abril es
el mes escogido para las representaciones junto con una
exposición paralela: La cartelería de
Zaranda o los espejos del alma y que recoge los
carteles de la obra en las últimas décadas en
las que la compañía ha desarrollado su labor y
ha sido merecedora del Premio Nacional de Teatro.
El actor asturiano Carlos Álvarez-Novoa, que se hizo famoso por su papel de anciano en la película Solas, de Benito Zambrano, ha llevado durante el año 2011 al escenario de diversos teatros La noche de Max Estrella que, inspirada en Luces de Bohemia, de Valle-Inclán, un montaje del Centro Andaluz de Teatro (CAT) bajo la dirección de Francisco Ortuño.
Para Carlos Álvarez-Novoa : «Se hacen miles de
Hamlets en España, pero se olvida lo de
acá, y tal vez sea Luces de Bohemia, junto
con La casa de Bernarda Alba, la obra fundamental de
nuestro teatro».
El montaje cuenta con proyecciones de
pinturas sobre el escenario y las voces grabadas de otros
actores, mientras Álvarez-Novoa recrea al personaje
de Valle-Inclán y va rescatando, poco a poco, todo el
espíritu rebelde e indagador del autor y poeta
gallego, aún vigente,
Valle-Inclán
este verano en Barcelona visitando el Festival Grec
Este año, don
Ramón del Valle-Inclán ha visitado el
Festival Grec, famoso encuentro anual de las artes
escénicas que se celebra cada verano en Barcelona.
Una compañía de actores catalanes, en este
caso La Perla 29, tomó el reto de representar a
Valle-Inclán.
Las antiguas dependencias del
Hospital de la Santa Cruz,
que ahora pertenecen al edificio de la Biblioteca de
Catalunya, un espacio arquitectónico inusual de
naves góticas y suelo cubierto de tierra, fueron
el lugar mágico de las representaciones que
tuvieron que prorrogarse por el éxito obtenido.
La premiada compañía aragonesa Teatro del
Temple, que dirige Carlos Martín y que el pasado
año obtuvo el Max al Espectáculo
Revelación, también puso este año en
escena un Luces de
Bohemia con el actor Ricardo Joven dando vida a Max
estrella.
De cuando
Valle-Inclán sonó a chino
Corría 1998 y Divinas
Palabras era la primera obra de Valle-Inclán
que la compañía Atalaya llevaba a escena.
Ahora, a compañía sevillana que dirige Ricardo
Iniesta, llevará en septiembre a Pekín y Taiwán el
montaje de Divinas palabras. Es la primera vez que se
traduce al chino un texto del autor gallego
Los responsables del Teatro Nacional de
Taipei son promotores de la gira asiática de Atalaya.
A partir del
compromiso adquirido en Taiwán se propuso a la
Embajada española que la obra se representara
también en China. Todo ello en el marco del Festival
Fringe de la capital de la República Popular.
La llegada de Divinas palabras a China supone un hito en la historia
del teatro español, no sólo por tratarse de
la primera vez que esta obra puede verse en un teatro en
este país, sino porque es también la primera
ocasión en que la literatura de Valle se traduce al
mandarín, la principal forma hablada del chino.
Durante la representación -en la que los actores de
Atalaya interpretarán su texto en castellano- los
espectadores podrán leer de manera
simultánea, como suele hacerse en ópera, los
diálogos en la pantalla de subtítulos
colocada sobre el escenario.
Con esta visita a Asia, Atalaya amplía su presencia internacional: con China son 33 los países que han acogido, en teatros y festivales internacionales, algún montaje de esta compañía referente en el teatro iberoamericano.
Valle
Innova ¿el plan?
La noticia salta a los papales en mitad del año de celebración del 75 Aniversario de la muerte del escritor gallego. El conselleiro de Cultura e Turismo, Roberto Varela, firmaba con el presidente de la Fundación Valle Inclán, Gerardo Fernández Albor, un convenio de colaboración para la realización de actividades relacionadas con el escritor vilanovés. En base a ese convenio de colaboración, la consellería destinará 25.000 euros para colaborar en todos los actos organizados con motivo de los 75 años de la muerte del autor.
En el programa de actividades sobre la figura de Valle Inclán, destaca, con nombre de plan de energía hidroeléctrica o similar, las actuaciones de la escuela de teatro Valle Innova. Se trata de que los integrantes de esta compañía teatral difundan por distintos municipios gallegos su trabajo y, con él, todo el legado literario de uno de los escritores gallegos más brillantes de todos los tiempos.
La Dirección Xeral do Libro, Bibliotecas e Arquivos ha querido avalar otras muchas acciones acometidas por la Fundación Valle Inclán. Se publicará un libro relacionado con la biografía del escritor. También se financiará un documental titulado Realidade e Ficción en Romance de Lobos, que ya está en marcha y se abonará la compra de libros de Valle Inclán editados en diversos idiomas (en concreto en alemán, inglés, francés e italiano) a fin de crear un «fondo bibliográfico valleinclaniano específico». Por último, con cargo a este convenio con la Xunta de Galicia se editará un nuevo número, el cuarto, de la revista Bradomín.
Todas estas actuaciones recogidas en el convenio firmado en Santiago tienen un objetivo final y claro: dar mayor realce y trascendencia a una fecha, la del 75 aniversario de la muerte de Valle Inclán, que pretende ser utilizada por los amantes de la obra del brillante autor gallego, padre del esperpento, para promocionar su figura y, sobre todo, sus magníficas obras literarias.
Valle-Inclán
en clave de cabaret
La Jarana estrenó en este año la obra teatral Mi cuerpo es mío en donde, a través de la música, el baile y el juego dramático, se cuenta al espectador una historia directamente inspirada en la pieza Ligazón de Valle-Inclán. La adaptación a querido constituye un grito libertario a favor de la mujer y al esperpento «como espejo de la sociedad», aseguran.
El cabaret y el estilo burlesque son el sello de este espectáculo de la compañía formada por artistas de distintas nacionalidades, especializados en diversas disciplinas. Aunque la compañía se formó como tal en 2008, sus integrantes vienen trabajando juntos desde 2006. Dirigida por Andrés del Bosque, su lenguaje parte de un trabajo físico, investigando el clown, los bufones, la improvisación, el melodrama y la tragicomedia.
Retratos
de Valle-Inclán por dentro y por fuera
En Pontevedra tuvo lugar una muestra de obras plásticas que tienen como elemento central la figura del escritor y, por otra, escritos muy diversos que le describen u opinan sobre él. La intención ha sido aproximarse a Valle a través de los ojos y las impresiones que despertaba en sus contemporáneos.
Durante el recorrido pueden verse desde esculturas, dibujos o pinturas de grandes artistas como Castelao, Carlos Maside o Ignacio Zuloaga a textos de escritores universales como los poetas Rubén Darío, Antonio Machado o Juan Ramón Jiménez. En total se exhiben 25 piezas artísticas y 27 retratos literarios realizados hasta la muerte de Valle.
Valle-Inclán
en solfa
El grupo musical Cómplices compuesto por Teo Cardalda y María Monsonis ofreció varios conciertos en Galicia para homenajear a Valle Inclán, con un repertorio de diez canciones que llevaban por letra los versos del libro del dramaturgo Claves líricas. Este es un singular proyecto musical que destaca en la trayectoria de este grupo que se dio a conocer y alcanzo su fama en los años 80.
El concierto fue un adelanto musical de la obra teatral sobre la vida del dramaturgo que está preparando junto a la directora Tamzin Towsend, el dramaturgo Ignacio García May y al actor Luis Zahera, y que llevará por título Los siete pecados de Valle-Inclán. El estreno está previsto para el mes de febrero de 2012 en Galicia.
Valle-Inclán
en Congresos y Seminarios
De entre los encuentros celebrados en honor a Valle- Inclán en este año conmemorativo destacamos:
El Congreso organizado por la Cátedra Valle-Inclán de la Universidad de Santiago de Compostela con el título Valle-Inclán y las artes. Tuvo lugar en la Facultad de Filología de Santiago de Compostela, del 25 al 28 de octubre de 2011. Con él se celebraba el 75º Aniversario de la muerte de Ramón del Valle-Inclán, a la par que el centenario del estreno de Voces de Gesta.
También mencionaremos el Seminario Valle-Inclán: raíz, universalidad y vanguardia convocado por la Asociación de Directores de Escena de España (ADE) los días 1 al 4 de Diciembre en el Pazo de Mariñan (A Coruña). El encuentro cuenta con la colaboración de la AGADIC de la Xunta de Galicia, la Diputación de A Coruña y la Fundación AIGSE y el Instituto Goethe, con el auspicio de la Cátedra de Valle-Inclán de la Universidad de Santiago de Compostela, la Escuela de Arte dramático de Galicia, la revista Cuadrante y la Asociación de Amigos de Valle-Inclán.
Cabe señalar que bajo el título «Escenificar a Valle-Inclán», la revista ADE-Teatro publicó en su número 137 un monográfico que incluyó numerosos artículos y una amplia selección fotográfica.
Valle-Inclán
regresa
a México con el montaje de El trueno dorado
El 14 de octubre de 2010, en el marco de la XXVIII
edición del Festival
Internacional Cervantino de Guanajuato, la
Compañía Nacional de Teatro, a las
órdenes de Juan Antonio Hormigón, se dispuso a
poner en escena su adaptación teatral de la novela
homónima de Valle-Inclán El trueno dorado.
Un mes más tarde, en el Teatro Julio Castillo de
México D.F se repitió la hazaña y las
representaciones prosiguieron hasta el 27 de febrero de
2011. Son las dimensiones de la empresa las que nos llevan a
calificar de hazaña el hecho, pues se trata de una
obra donde los treinta y seis actores de la
compañía encarnan ochenta personajes durante
las tres horas y media de la representación. Todo
ello ha sido posible gracias a la colaboración de la
compañía mexicana con la embajada de
España en México y el Instituto Nacional de
Artes Escénicas.
Hormigón contó con la ayuda de Luis de Tavira,
director de la Compañía Nacional de Teatro,
para amalgamar el texto de la novela póstuma de Valle
con escenas del primer libro de La Corte de los
milagros –«La rosa de oro»-, y otros
materiales surgidos de la pluma de Valle. Todo ello se
organiza en diecinueve episodios y varios interludios
corales que acentúan el tratamiento como de
ópera clásica del montaje. La obra aborda un
periodo histórico muy del gusto del escritor gallego:
el momento de la revolución de septiembre de 1868.
Esta
declaración del director y variado material sobre la
representación puede consultarse en el website de Madrid Teatro:
«Todo eso se va anudando en una especie de lazo que hace que se perciban todas las carencias respecto a la sociedad y la justicia, todo el poder de las clases dominantes que echan tierra al asunto, porque el problema consiste en quiénes son los que han asesinado y quién es el asesinado, un pobre guardia municipal al que tiran por la ventana. En un suceso que parece de menor importancia, Valle-Inclán nos plantea un conflicto de primer orden».
En el
apartado reseñas, destacamos la de Olga Harmony,
aparecida en el periódico mexicano La Jornada (25 de
noviembre de 2010) por ser la de más calado
crítico y la que más profundiza respecto a la
puesta en escena y la adaptación. En el
periódico Correo,
se publicó la de Mauricio Vázquez, conocedor
del teatro de Valle como actor y colaborador con el director
teatral Juan Ibáñez, quien elogia la firmeza
con la que Hormigón dirige el montaje. El resto de
reseñas más que analizar la
representación de Guanajuato dan detalles
técnicos y contextualizan históricamente la
obra para información del público.
No obstante, un auténtico y prolijo dossier
informativo puede encontrarse en el número 134 de ADE de la revista de
teatro editada en España por la Asociación de
Directores de Escena de la que Juan Antonio Hormigón
es Secretario General. En él encontramos la nada
despreciable cifra de 125 páginas dedicadas a
desgranar variados aspectos del estreno y de la obra. Muchas
de ellas escritas por integrantes del elenco.
El trueno
dorado
Olga
Harmony
http://www.jornada.unam.mx/2010/11/25/index.php?section=cultura&article=a06a1cul
En el tercer ciclo del Patrimonio Universal del Teatro la
Compañía Nacional de Teatro (CNT) y para hacer
presencia en el Festival Internacional Cervantino, fue
invitado el destacado director español Juan Antonio
Hormigón para que escenificara una obra de
Ramón del Valle Inclán. Hormigón
optó por adaptar varios fragmentos de narraciones del
viejo don Ramón de las barbas de chivo y algunos
otros pasajes, con un resultado muy disparejo tanto en la
dramaturgia como en el montaje que cuenta con actores de la
compañía y otros invitados hasta sumar 36, con
algunos que doblan papeles en extenuantes –para ellos–
representaciones de cuatro horas. Resulta ocioso refrendar
la calidad del elenco, pero cabe hacer algunos deslindes y
señalamientos empezando porque el reinado de Isabel
II de España y sus antecedentes de las guerras
carlistas, así como las pugnas entre liberales y
moderados de la época nos son totalmente ajenas en
México a pesar de que narran El de la muleta y La
Castiza, de cara al público, ciertos acontecimientos
que se van sucediendo.
Lo anterior carecería de importancia si el adaptador
se hubiera ceñido al tema y la acción
dramática, pero la referencia a intrigas palaciegas
entre personajes que sólo podríamos ubicar con
una historia de España en la mano, restan eficacia a
los contrastes entre una corte frívola y dispendiosa
y un pueblo llano pleno de carencias, que sería el
tema. Asimismo, la impunidad de señoritos cercanos a
la corte que cometen un crimen en medio de su
diversión de robar capas y la adjudicación de
la culpa a un pobre músico, hecho tan reconocible
entre nosotros como los contrastes antedichos, se desvanece
ante la proliferación de escenas superfluas
insertadas para ambientar la época, como
podría ser la del anarquista Fermín o la del
besamanos cortesano con su larga ristra de títulos.
La proliferación de bailes de la reina –que se
podría haber limitado a un par, incluyendo el muy
importante de la seducción de Bonifaz, que representa
a todos los amantes de la soberana– en la coreografía
de Marco Antonio Silva, no añaden algo a la
acción o a la idea del esplendor cortesano y en
cambio alargan el tiempo de la representación
diluyendo el drama que se nos presenta. Aquí he de
decir que cuando me refiero con cierta insistencia quejosa a
la duración del montaje se debe a las inconsistencias
dramáticas que, a mi parecer, lo alargan sin sentido
y que en cambio otras escenificaciones muy largas, cuando
resultan bien tramadas y coherentes, son bienvenidas y
vistas por los espectadores, entre los que me cuento, con
auténtico interés.
La escenografía
diseñada por Carmina Valencia Tamayo es rica en
detalles cuando muestra el salón palaciego y su
contrastante vecindario de pobres en el que se ubica la
vivienda del guardia Carballo, pero se va reduciendo hasta
constar de una chaise longue iluminada por un
cenital. Quizás ello se deba a una idea no muy bien
proyectada de ofrecer un paralelismo con la
descomposición social del contexto, tan bien
expresada en el baile cortesano final, pero también
se puede pensar que es resultado de la misma falta de unidad
estilística que Hormigón imprime a sus
actores. Éstos, como ya quedó dicho, de muy
alto nivel, a veces ofrecen actuaciones casi
paródicas sin que resulten del todo
esperpénticas y otras veces contenidas y realistas en
una amalgama difícil de descifrar, por lo menos para
mí. En cambio, la fama de José Antonio
Hormigón se ve corroborada por sutiles detalles como
la transformación del cojo narrador en don
Fermín, el anarquista filántropo al abandonar
la muleta y ceñirse una bufanda, la presencia el
cadáver del infortunado guardia en escenas
posteriores o el uso que el director hace de la trampilla de
la escenografía. Por eso entiendo poco las
disparidades en los estilos de actuación que creo que
no se sustentan en las escenas mismas y el envejecido
recurso de bajar telón para los cambios
escenográficos. La escenificación se
complementa con el excelente vestuario de Tomás
Adrián, la iluminación de Jorge Kuri Neumann,
el espacio sonoro de Ignacio García, la
dirección coral de Alberto Rosas y el diseño
de caracterización de Amanda Schmelz.
El trueno
dorado, tragicomedia clásica que revela
cómo persisten en la sociedad actual el deseo de
poder, la impunidad y la hipocresía 
http://www.conaculta.gob.mx/sala_prensa_detalle.php?id=8479
Con
una producción la CNT estrenó esta obra
póstuma de Valle-Inclán y se presenta los
días 15 y 16 de octubre en el 38 FIC
Más de 30 actores en escena participan en esta
coproducción del FIC, la CNT y el Instituto
Nacional de Artes Escénicas del Ministerio de
Cultura de España
La Compañía Nacional de Teatro del
INBA-Conaculta presentó en el Teatro Principal de
Guanajuato, una radiografía escénica de los
últimos días del reinado de Isabel II de
Borbón (Siglo XIX). Se trata del estreno
mundial de la obra El trueno dorado que bajo la
dirección del español Juan Antonio
Hormigón se escenificará también los
días 15 y 16 de octubre.
El elenco está integrado por Luisa Huertas, Mileth
Gómez, Mercedes Pascual, Adriana Roel, Angelina
Pelaez, Teresa Rábago, Rosenda Monteros, Emma Dib,
Enrique Arreola, Miguel Flores, Arturo Beristáin,
Juan Carlos Remolina, Rodrigo Vázquez y Laura
Padilla, entre otros actores.
Trazada con la singular elocuencia
dramatúrgica de su autor, el novelista Ramón
María del Valle-Inclán, creador del esperpento
—reflejo crítico y demoledor de la realidad social,
que por medio de la exageración revela un oscuro
trasfondo—, la pieza teatral urde una serie de
anécdotas entorno al poder, la impunidad y el deseo
de justicia que se clamaba en aquella época (S. XIX)
en la que el fantasma del comunismo recorría a
Europa, mientras en México culminaban las guerras de
Reforma y la caída del Imperio de Maximiliano.
El montaje inicia con la imagen de siete
muñecos gigantes que anuncian la caída de un
régimen o estilo de vida, se trata de las
réplicas en tela de Isabel I de Borbón y su
gente más allegada entre las que se encuentran el
Padre Claret, el Marqués de Torre Mellada y el
presidente del Consejo, entre otros. Las marionetas penden
de un hilo, el cual en menos de un minuto se destensa para
dejarlas caer, como un anuncio metafórico de lo que
el público está a punto de presenciar.
El diseño coral y espacio sonoro diseñado por
Alberto Rosas e Ignacio García es imprescindible en
esta puesta en escena porque delinea con mayor contundencia
este retrato escénico en el que vemos rasgos del
presente y el porvenir, pues aunque la anécdota luce
un tanto trivial (narra cómo en una noche de juerga,
los hijos de la clase dominante asesinan a un militar) el
subtexto y el acontecer social revelan una realidad
truculenta, donde reina la hipocresía, las intrigas y
la doble moral.
Se trata de una obra póstuma del dramaturgo, poeta y
novelista español, cuya propuesta dramatúrgica
del esperpento revela a través de la
exageración de los gestos y movimientos
escénicos marcados por Juan Antonio Hormigón,
en este montaje que nos guía por el palacio de la
Reyna Isabel I de Borbón, encarnada por Mileth
Gómez, quien delineó de manera elocuente a una
mujer vacía y trivial, rodeada de lujos y envidias,
que busca expiar culpas mediante donaciones de caridad.
El salón de baile y la alcoba de la Reyna, entre
otros espacios del Palacio, así como la
sacristía de una Iglesia, un tugurio de mala muerte,
el camino hacia la casa del soldado y el granero donde vive
la familia del militar asesinado fueron diseñadas por
Carmiña Valencia Tamayo, quien respaldada por el
diseño lumínico de Jorge Neumann,
recreó de manera precisa los diversos ambientes y
escenarios que remite esta obra adaptada por el propio Juan
Antonio Hormigón, pues cabe señalar que
Valle-Inclán dejó inconclusa esta obra que
forma parte de una trilogía.
Coproducida por el Festival Internacional Cervantino y la
Compañía Nacional de Teatro, en
colaboración con el Instituto Nacional de Artes
Escénicas del Ministerio de Cultura de España,
El trueno dorado reúne el talento de Marco
Antonio Silva (coreografía), Tomás
Adrián (coordinación de diseño visual y
vestuario) y Amanda Schmelz (diseño de
caracterización), entre otros.
Se presenta los días 15 y 16 de octubre, en el Teatro
Principal de Guanajuato, donde también
actuarán Marco Antonio García, Arturo Reyes,
Constantino Morán, Ana Isabel Esquiera, Renata Ramos,
Mariana Giménez, Gabriela Betancourt, Andrés
Weiss, Mariana Gajá, David Calderón, Jorge
León, Carmen Mastache, Claudio Lafarga, Everardo
Arzate, David Calderón y los niños Aliosha
Sotnikoff, Enzo Fusaro, Francesca Fusaro y María
Bosch.
Las
Laureadas calmas del trueno dorado
http://www.correo-gto.com.mx/notas.asp?id=190164
Por:
Mauricio Vázquez G. / GUANAJUATO, Domingo, 17 de
Octubre de 2010
Con gran presencia artística se
presentó la Compañía Nacional de Teatro
con la obra "El trueno dorado" de Ramón María
del Valle-Inclán (Ramón José
Simón Valle Peña. España, 1866-1936) en
el Teatro Principal de Guanajuato, como parte del 38 FIC,
dirigida por el director español Juan Antonio
Hormigón.
En materia de la obra se debe reconocer en principio, el
excelente fraseo de los textos por parte de los actores,
más aún tratándose de un texto bello y
complejo en la calidad literaria de Valle-Inclán cuyo
principio estético parte de la poesía, para
luego afanarse en "el culto simbolista de la alusión
y de la sensación".
Son evidentes igualmente, elementos esperpénticos en
el montaje como el personaje-narrador con su lesión
en el pie, también en algunos componentes del
vestuario que representan a una España cerril,
católica y atrapada en la ostentación
ridícula de su aristocracia, junto a un enfoque
grotesco de la reina Isabel II y su "corte de los milagros".
Como ejemplo está la escena de la misma Reina
defecando, junto a su concierto de micción
cadenciosa. Así mismo, es digno de mencionar una
dirección escénica muy coreografiada, con
recursos como el coro (muy de tragedia griega), concepto
estético muy apegado a la obra de Valle.
La escenografía y la decoración dan cuenta de
un estudiado trabajo. Su ornamento está bien
ambientado y documentado; su traslúcida tela deja ver
en profundidad didáctica, los entresijos de
personajes y situaciones manifestadas en las confabulaciones
de palacio o las hablillas del vecindario: "¿Las
paredes oyen?; ya nos han mirado".
Son muchas las muestras de una buena puesta en escena.
Algunas de ellas tienen que ver con la revelación e
insistencia de las razones humanas para auto degradarse, en
esta alegoría de la Monarquía Española.
La obra bien regida, mantiene un ritmo muy bueno que logra
la atención constante del público y un tono
bien puesto que sostiene la respiración de los
presentes: "El pueblo no tiene recuerdo de mejores tiempos".
De la adaptación podemos añadir que es muy
atinada, el conflicto dramático está bien
manejado mediante la representación –algo
difícil de alcanzar en el arte en general- de las
intrigas en palacio, las traiciones, devaneos
aristocráticos, adulterio, engaños, desgracia
ajena, falsa moral y hasta arrojar a la policía por
la ventana.
Por
último es de destacar la (posible) anagnórisis
del montaje como momento significativo, y tiene que ver con
una discusión entre ideologías, desmenuzando
la realidad de la propiedad privada, la legalidad, la
igualdad, una discusión entre el Estado y la
anarquía; nada más actual por cierto. Este
hecho pone de notorio y deteriorado manifiesto al coro de
ciudadanos de la desgracia, pugnando por la justicia,
mientras el asesino duerme con la reina…
La obra de teatro
en cuestión es una adaptación de la novela
valleinclanesca "La corte de los milagros" que forma parte
de una trilogía que pertenecía a un proyecto
más amplio en el que se contaría la historia
de España. Por cierto que en uno de sus primeros
viajes a México Valle-Inclán conoce al general
guanajuatense Sóstenes Rocha "el militar más
conspicuo del ejército liberal", mismo que le desvela
los secretos de la política mexicana.
http://anotartemx.wordpress.com/2011/01/19/entre-actos-el-trueno-dorado/
Entre
Actos: El Trueno Dorado en Teatro Julio Castillo
Se trata de una producción de la
Compañía Nacional de Teatro, bajo la
dirección y adaptación de Juan Antonio
Hormigón.
Su gran reparto está conformado por más de 30 actores, entre quienes destacan Rosenda Monteros, Enrique Arreola, Luisa Huertas, Diego Tenorio, Mariana Gajá, Mercedes Pascual, Angelina Peláez, Adriana Roel y Arturo Beristáin, entre otros; incluyendo también a varios actores jóvenes becarios del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.
Esta obra tuvo diversas presentaciones durante el pasado Festival Cervantino de Guanajuato, en octubre de 2010, y ahora el público del Distrito Federal tendrá la oportunidad de poder disfrutarla.
Se trata de la escenificación acerca de los últimos días del reinado de Isabel II de Borbón en el reino de España. Con una radiografía elocuente de una crisis social y política que cambió el rumbo de la historia española en las postrimerías del tan combativo siglo XIX.
Época singularmente célebre cuando el fantasma del comunismo recorría a toda Europa y aquí, en México culminaban las guerras de Reforma, con la caída del segundo Imperio, el fusilamiento de Maximiliano I y la restauración de la República por Benito Juárez.
Con singulares tonos de pintura de Francisco de Goya, este esperpento contrasta con contundencia la decadencia de la corte y la miseria popular, la ambición política de los militares siniestros, las intrigas palaciegas frente al despertar de la conciencia ciudadana que clama por un cambio en el poder y en su miserable vida.
Esta magnífica puesta en escena de Ramón del Valle-Inclán, está sumamente muy bien ambientada, destacando el vestuario de los personajes que poco a poco van construyendo la historia para terminar con un estrepitoso desenlace. Su duración aunque larga (poco más de tres horas, con 2 intermedios), no permite al espectador despegarse del asiento y perder alguno de los inteligentes y bien estructurados diálogos.
La construcción de este mosaico social se plantea de forma gloriosa con la notable escenificación, complicada persé por el gran número de personajes y la diversidad de espacios en que la acción transcurre. El público de atender este montaje y celebrar el esfuerzo de actores, director y de la propia CNT, que ha recibido a su vez, un gran apoyo del Instituto Nacional de Artes Escénicas y de la Música del Ministerio de Cultura de España, así como la Embajada de España en México.
El Pasajero, 26, 2011